Il arrive parfois, au détour d’une quête d’âme dans les allées d’une brocante ou en explorant les tiroirs secrets d’un meuble de famille, de croiser un objet ancien à l’éclat argenté parfait. Le poids est trompeur, l’élégance est absolue, et pourtant, les poinçons habituels de l’argent massif demeurent introuvables. Dans la grande majorité des cas, vous venez de poser les yeux sur du maillechort. Ce métal mystère, qui s’est imposé comme la doublure officielle de l’orfèvrerie de luxe, possède une histoire fascinante qui mérite d’être décodée avec un œil d’expert.

Un savant alliage

Derrière ce nom aux sonorités énigmatiques se cache en réalité une véritable formule magique qui ne contient pas une seule once d’argent. Le maillechort est un alliage subtil composé de cuivre, de nickel et de zinc. Si ses origines lointaines remontent à la Chine ancienne où il était connu sous le nom de paktong, il a fallu attendre le début du dix-neuvième siècle pour qu’il soit réinventé en France. C’est précisément le cinq février de l’année 1830 que deux praticiens lyonnais, l’ingénieur Maillot et le métallurgiste Chorier, ont déposé un brevet d’invention officiel pour cet alliage propre à remplacer l’argent. Bien que le nom de l’un des inventeurs s’orthographiât originellement avec un o, l’usage du temps et la langue française ont définitivement transformé cette ingénieuse combinaison en … maille-chort.

Un véritable subterfuge

Cette invention a totalement conquit la bourgeoisie de l’époque. Les deux inventeurs ont réussi un tour de force technique en créant un matériau capable d’imiter la noblesse et la brillance de l’argent, sans en coûter le prix prohibitif. Face à cette illusion parfaite, les salons parisiens et les grands voyageurs de la Belle Époque ont immédiatement adopté ce métal d’un nouveau genre. Il est rapidement devenu la base privilégiée pour fabriquer les objets de table, l’orfèvrerie bourgeoise et les bijoux de fantaisie fine. Pour parfaire l’illusion, le maillechort était très souvent recouvert d’une fine couche d’argent véritable par le biais de la galvanoplastie, donnant ainsi naissance aux célèbres pièces en métal argenté. Le problème, car il y en a souvent un, c’est que quelques indélicats vendeurs ont commencé à le vendre pour de l’argent. Certains revendeurs jouant sur l’absence fréquente de poinçons, et sur la crédulité des acheteurs.

Avantages et inconvénients

Pour les passionné-e-s de joaillerie ancienne et d’objets d’art, le maillechort offre un profil technique remarquable qui explique sa longévité. Parmi ses grands avantages, on retient sa robustesse exceptionnelle et sa dureté qui le rendent toutefois bien moins malléable que l’argent. Il présente également une excellente résistance à la corrosion, ce qui lui permet de traverser les décennies sans s’altérer profondément, sans oxydation majeure, tout en s’entretenant avec une grande facilité.
Un de ses inconvénients réside évidemment dans son absence totale de métaux nobles, puisqu’il ne contient aucun métal précieux dans sa masse. C’est un métal de substitution, un acteur de composition qui a su jouer le rôle à la perfection, certes, mais un rôle avant tout.
Mais son plus gros défaut, c’est bien évidemment la présence de nickel : un métal très fortement allergisant. Il est donc nécessaire pour un vendeur professionnel de bien préciser qu’il s’agit de maillechort afin que l’acheteur ou l’acheteuse ne mette pas sa santé en danger si il, ou elle, ne supporte pas le nickel.
En Europe, l’encadrement des métaux lourds et des allergènes dans les bijoux est régi par le règlement européen REACH (Annexe XVII, entrée 27). La réglementation ne repose pas sur l’interdiction totale d’un métal comme le nickel, mais sur un plafond strict de libération (ou taux de migration) vers la peau, mesuré en laboratoire. Le taux de libération de nickel toléré étant extrêmement faible, il est avant tout recommandé d’éviter le contact avec la peau, ou sur des durées courtes qui ne dépasseraient pas 24 à 72 heures discontinues. Attention ! Pour les boucles d’oreilles et piercings, l’interdiction est totale.

Une valeur sous-côtée

Aujourd’hui, apprendre à reconnaître le maillechort et à apprécier sa patine unique permet de poser un regard éclairé sur les secrets de fabrication d’autrefois. Ce métal robuste a su sublimer l’orfèvrerie courante et rendre plus résistants des bijoux de voyage qui devaient résister aux trajets d’autrefois. C’est aussi une excellente alternative au laiton plaqué argent, puisque le métal reste bien argenté. Et même s’il a bénéficié d’une argenture, le métal de support ne dénote pas.
Pour celles qui ne développent pas d’allergie au nickel et qui le supportent bien sur de courtes périodes de quelques heures, c’est aussi l’occasion d’acquérir de très très belles création anciennes, parfois signées de grands noms ! Le tout à moindre frais… D’autant plus que, paradoxalement, ces bijoux tendent à disparaître : faute de considération liée à leur nature non précieuse et aux risques encourus face au nickel qu’ils contiennent. Il n’est donc pas impossible, à terme, qu’ils prennent de la valeur !

Des solutions ?

Si vous n’êtes pas allergique au nickel, les risques sont statistiquement faibles. Si vous l’êtes, même faiblement, ne prenez pas ce risque. Et, dans tous les cas, jamais avec des bijoux de percement. Toutefois, par mesure de précaution et dans tous les cas, même si vous n’êtes pas du tout réactive/réactif au nickel, il existe des vernis spécifiques qui peuvent être appliqués sur les zones de contact afin de protéger la peau.

Pour conclure :

En comprenant son histoire, du paktong chinois au brevet lyonnais, vous ne regarderez plus jamais cet alliage de la même manière. Ces pièces ne sont pas de simples imitations, elles sont les témoins matériels d’une époque industrielle audacieuse où l’illusion artistique a conquis l’Histoire.

L’éclat sans l’impact

Et si le geste le plus moderne que vous puissiez faire pour la planète se trouvait dans un écrin du siècle dernier ?

À l’heure où la conscience écologique redéfinit nos modes de consommation, l’univers de la joaillerie opère lui aussi sa révolution. Mais loin des laboratoires et des innovations technologiques, la solution la plus durable sommeille parfois depuis des décennies dans les vitrines des antiquaires ou les coffres de famille.

Choisir un bijou ancien, ce n’est plus seulement succomber au charme d’une bague Art Déco ou d’un pendentif victorien ; c’est adopter l’upcycling avant l’heure. C’est faire le choix d’un luxe circulaire, sans nouvelle extraction minière, où chaque pierre et chaque gramme d’or racontent une histoire sans en coûter une à la Terre, sans l’abreuver du sang des conflits.

Plongeons ensemble dans l’univers du bijou vintage : là où l’élégance d’autrefois devient le manifeste d’un futur plus responsable.

L’écologie du bijou ancien : l’éclat sans extraction ni conflit

Le saviez-vous ? L’extraction d’une seule alliance en or peut générer jusqu’à 20 tonnes de déchets miniers. Derrière l’éclat d’un bijou neuf se cache souvent une réalité environnementale lourde : déforestation, consommation massive d’eau et utilisation de produits chimiques pour traiter les sols.

C’est ici que le bijou ancien devient une alternative révolutionnaire. En choisissant une pièce vintage, vous sortez du cycle de production intensive :

– Zéro nouvelle extraction.
– Préservation des ressources.
– L’éthique garantie : acheter ancien, c’est aussi s’affranchir des problématiques liées aux conditions de travail dans les mines contemporaines. Contrairement au marché moderne, le bijou vintage offre une tranquillité d’esprit totale concernant l’origine des gemmes : ces pierres ont été extraites bien avant l’émergence des réseaux de pierres de conflit (ou « diamants de sang »). Choisir l’ancien, c’est la certitude que votre parure n’a financé aucun conflit armé actuel, privilégiant une traçabilité historique et pacifique.

Porter un bijou ancien, c’est donc préserver le passé tout en protégeant le futur. C’est la preuve que la beauté peut être éternelle sans être destructrice.

L’Upcycling : L’art de réinventer l’histoire

« L’upcycling (ou surcyclage) est au cœur de la magie du bijou ancien. Contrairement au recyclage qui fond l’or pour repartir de zéro, l’upcycling conserve l’âme et le travail de l’artisan tout en le propulsant dans la modernité.

– Le charme du « tel quel » : parfois, l’upcycling, c’est simplement changer le contexte. Une broche du XIXe siècle, portée sur un veston en jean ou piquée sur un chapeau contemporain, devient une pièce de mode audacieuse et unique.
– La transformation créative : c’est là que le bijou ancien devient un terrain de jeu fascinant. On peut transformer une paire de boucles d’oreilles orphelines en deux pendentifs minimalistes, ou monter une épingle à cravate ancienne sur un anneau d’or pour en faire une bague de caractère.
– Une pièce unique au monde : dans une ère de standardisation, l’upcycling offre le luxe ultime : l’exclusivité. Personne n’aura le même bijou que vous, votre pièce porte une patine et une histoire que seuls le temps et son histoire ont pu forger.

Qualité et Durabilité : Le contre-pied de la « Fast-Jewelry »

À l’image de la fast-fashion, l’industrie du bijou moderne s’est parfois laissée séduire par la production de masse, privilégiant la quantité au détriment de la longévité. Le bijou ancien, lui, est le témoin d’une époque où l’on prenait le temps.

– L’artisanat d’exception : un bijou ancien a été façonné entièrement à la main, avec des techniques de sertissage et de ciselure qui n’existent quasiment plus aujourd’hui. Chaque détail a été pensé pour durer plusieurs vies.
– Des matériaux nobles et robustes : les bijoux d’époque utilisaient de l’or massif et des pierres naturelles sélectionnées pour leur caractère unique.
– Un héritage transmissible : acheter ancien, c’est acquérir un objet qui a déjà traversé des décennies — parfois des siècles — sans perdre de sa superbe. C’est l’opposé du jetable : c’est un investissement émotionnel et matériel que vous pourrez, à votre tour, transmettre.

Conclusion : porter ses valeurs au doigt ou au cou

Choisir un bijou ancien, c’est finalement réconcilier l’esthétique et l’éthique. C’est refuser la standardisation pour embrasser l’exceptionnel. En portant une pièce chargée d’histoire, vous ne portez pas seulement un accessoire de mode : vous affichez votre engagement pour une consommation plus douce, plus intelligente et infiniment plus poétique.

Alors, pour votre prochain coup de cœur, pourquoi ne pas laisser un bijou du passé écrire une nouvelle page de votre futur ?

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Les ateliers Georges Lenfant occupent une place singulière dans l’histoire de la joaillerie parisienne.

Ils ne sont pas une maison de joaillerie au sens traditionnel, mais un atelier de fabrication de très haut niveau, sans boutique ni communication propre, travaillant dès l’origine pour les grandes maisons, des créateurs indépendants et des détaillants prestigieux. Cette position explique la discrétion de leurs signatures, la rareté de poinçons lisibles et la présence fréquente de frappes partielles ou secondaires.

Actif dès les années 1920, l’atelier s’inscrit dans la tradition des grands ateliers parisiens de la rive droite, à la charnière entre l’Art déco et le modernisme d’après-guerre. Il se distingue très tôt par une maîtrise exceptionnelle de la mécanique joaillière et par sa capacité à transformer des dessins ambitieux en bijoux parfaitement portables, solides et durables. Fermoirs, clips, bracelets articulés et systèmes transformables constituent son domaine d’excellence.

L’après-guerre, entre 1945 et 1960, marque l’âge d’or des ateliers Lenfant. À une époque où les oreilles percées ne sont pas encore la norme, ils deviennent une référence incontournable pour les systèmes de clips et de fermetures invisibles, alliant confort, fiabilité et discrétion. Le poinçon aux ailes croisées, souvent frappé de manière réduite ou partielle sur les éléments techniques, n’est pas un signe décoratif mais un véritable sceau d’atelier, marque de responsabilité plus que de visibilité.

L’héritage de Georges Lenfant irrigue durablement la place Vendôme et la haute joaillerie du XXᵉ siècle. Son esprit se reconnaît dans des bijoux à la mécanique parfaite, au confort exceptionnel et à l’élégance sans ostentation, conçus non pour attirer le regard, mais pour durer.

Il nous a quand même fallu quelques jours pour identifier ces boucles.

L’identification d’un poinçon de maître est une étape cruciale pour authentifier une pièce de haute joaillerie. Sur les créations de la maison Georges Lenfant, le cœur du poinçon révèle un véritable blason artisanal : à gauche, une forme texturée représente un dé, symbole historique du savoir-faire de l’atelier. À droite, on distingue deux ailes croisées stylisées, l’autre emblème indissociable de la signature Lenfant. Ensemble, ces deux icônes forment le motif central caractéristique que l’on retrouve sur les pièces les plus prestigieuses de la Place Vendôme.

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Décrypter les initiales G et L : les subtilités de la frappe

Il est fréquent de confondre les lettres inscrites dans le losange, notamment le L majuscule (pour Lenfant) situé en haut du poinçon, qui peut parfois être interprété à tort comme un J en raison de sa barre verticale et de son retour à angle droit. En bas du losange se trouve le G de Georges. Sur des surfaces étroites ou courbes, comme la raquette d’une boucle d’oreille, la frappe peut s’avérer délicate : la partie inférieure du poinçon est alors souvent tronquée ou écrasée, rendant le « G » plus complexe à déchiffrer que le « L » supérieur.

Pourquoi la confusion est-elle fréquente sur les bijoux vintage ?

La difficulté provient souvent de la disposition millimétrée du dé et de l’aile au centre du losange. De plus, le poinçon de l’atelier, initialement un losange vertical, subit des déformations lorsqu’il est appliqué sur du métal rond, texturé ou sur les systèmes techniques aux surfaces courbes : les pointes s’estompent, « tassant » ainsi les lettres et les symboles. Malgré ces variations de frappe, la présence du dé et de l’aile confirme sans équivoque la signature exclusive de la maison Georges Lenfant.

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Une signature historique pour une joaillerie d’exception

Il est important de noter que ce poinçon historique est resté inchangé lorsque Jacques Lenfant a repris la direction de l’atelier paternel. Qu’il s’agisse d’une création directe ou d’une collaboration prestigieuse, comme pour la maison Huberlant, ce marquage certifie l’appartenance du bijou à l’élite de la joaillerie parisienne du XXe siècle. C’est la garantie d’une pièce façonnée par l’un des « artisans de l’ombre » les plus talentueux de son temps.

Et la recette fonctionne : ce qui était tout à fait dans l’air du temps dans les années 50 s’adapte parfaitement au goût d’aujourdhui !

Boucles d’oreilles Georges Lenfant et collier cordages Marcel Boucher.

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Comment dater ces boucles d’oreilles ?

Pour dater précisément ces boucles d’oreilles Georges Lenfant diffusées par la maison P. Huberlant, il faut croiser design, technique et contexte historique. L’esthétique « Oursin », avec son rayonnement asymétrique de baguettes inégales, est emblématique du style atomique des années 1950-1955. Ce design audacieux marque la transition créative opérée par Jacques Lenfant lorsqu’il succède à son père et modernise l’atelier parisien.

L’aspect technique confirme cette période grâce au système de fermoir à raquette, une innovation majeure des clips de confort de l’après-guerre. La mention « Déposé », encore perceptible près du poinçon, fait directement référence aux brevets de systèmes articulés et de sécurité enregistrés par Jacques Lenfant entre 1951 et 1953. Cette signature mécanique garantit l’authenticité d’un savoir-faire alors à son apogée.

Enfin, l’écrin d’origine situé à Mont-sur-Marchienne ancre la pièce dans l’âge d’or de la joaillerie de prestige en Belgique. Entre la calligraphie typique du marquage à l’or et l’expansion du marché du luxe durant cette décennie, tous les indices convergent vers une fabrication située entre 1950 et 1958. Ce bijou demeure un témoignage rare de l’excellence joaillière du milieu du XXe siècle.

Pour conclure

En conclusion, cette paire de boucles d’oreilles est bien plus qu’un simple bijou vintage : elle est le fruit d’une rencontre entre l’ingénierie parisienne de Jacques Lenfant et l’élégance belge de la maison Huberlant. De la subtilité du poinçon au « dé et à l’aile » jusqu’à la technicité du fermoir « Déposé », chaque détail confirme l’authenticité d’une fabrication d’exception des années 1950. Conserver un tel ensemble avec son écrin d’origine est une chance rare, offrant aux collectionneurs un témoignage intact de l’âge d’or de la joaillerie franco-belge. Un véritable trésor de savoir-faire qui traverse le temps sans perdre de son éclat.

Et vous, avez-vous déjà débusqué un poinçon mystérieux sur l’un de vos bijoux de famille ? Partagez vos découvertes ou posez vos questions en commentaire, nous serions ravis d’échanger sur vos trésors vintage !

Gallimard / L’école des arts joailliers

J’avais hâte de m’offrir ce livre et de plonger dedans.

Il faut dire que je suis antiquaire, certes, mais diplômée en Histoire de l’Art avant tout. J’ai la passion des arts, l’amour des œuvres et des artistes, un besoin permanent d’apprendre, de comprendre, de découvrir. Alors, vendre des camées, des intailles, oui ! Mais pas sans connaître ou approfondir mes connaissances. Je dois dire que ce livre a comblé mes attentes à bien des égards.
Avant tout, il faut savoir que l’éditeur est connu pour son sérieux : des sources fiables et des auteurs reconnus, des ouvrages de qualité, les publications de l’École des Arts Joailliers sont une valeur sûre.
Quant à l’auteur : Philippe Malgouyres est historien de l’art. Ancien pensionnaire à l’Académie de France à Rome, puis conservateur au musée Calvet à Avignon, il est depuis 1997 conservateur en chef au département des Objets d’Art du musée du Louvre. Lauréat de la bourse André Chastel en 2016, il enseigne régulièrement à l’École du Louvre. Un auteur de référence, donc, de ceux que l’on lit … les yeux fermés ! (Vous l’attendiez, mon jeu de mots, avouez !)

Un livre reste néanmoins accessible à tous.

Il se présente selon des axes très différents selon votre niveau d’exigence et ça, c’est assez rare pour être souligné. Les textes principaux forment un ensemble agréable qui peut convenir au grand public, mais suffisamment étayé pour plaire aux vrais amateurs et professionnels. Il se présente comme un cours d’Histoire de l’Art, un peu adapté certes, mais qui permet aux professionnels et étudiants d’appréhender sérieusement le sujet. D’autant plus que ce livre est augmenté de photos remarquables, d’excellente qualité, choisies avec pertinence et accompagnées de descriptions monographiques justes (et complètes, Alléluia !)

Ici, on a tout, c’est un ouvrage complet parfaitement équilibré. C’est jouissif, je n’ai pas d’autre mot. J’y ai passé du temps, détaillant sans cesse mon champ d’étude comme je l’aurais fait à la fac. J’ai appris, vraiment appris, et progressé.

En bref :

Pour tout amateur de bijoux, d’art, ou pour collectionneur passionné, pour un étudiant qui se penche sur l’Histoire des Arts Mobiliers et Décoratifs – matière Ô combien fascinante ! – ce livre est un incontournable. Y compris et, surtout, pour l’antiquaire avisé qui se doit de rester au fait des connaissances et de la recherche pour comprendre et bien évaluer – bien aimer, aussi – ce qu’il vend. Ce livre est une merveilleuse synthèse de beauté et de savoir.

Ma note ? Un joli coup de ♥ /5 !

Pour se le procurer :

L’Escarboucle, librairie de L’École des Arts Joailliers, à l’Hôtel de Mercy-Argenteau – 16 bis boulevard Montmartre, 75009 Paris.

Partout en librairie sur commande.
En ligne :
FNAC : https://www.fnac.com/SearchResult/ResultList.aspx?Search=cam%C3%A9es+et+intailles&sft=1&sa=0
Cultura : https://www.cultura.com/p-camees-et-intailles-tp-l-art-de-la-glyptique-9782072943263.html
Rakuten : https://fr.shopping.rakuten.com/offer/buy/7629468120/camees-et-intailles-tp-l-art-de-la-glyptique-format-broche.html
Amazon : https://tinyurl.com/david-bijoux

J’ai acquis une très jolie bague en argent du XIX ème, sertie d’un camée de corail peau d’ange très pâle.

Ce bijou, c’est avant tout une commande, une bague acquise pour une de mes clientes, passionnée, qui recherche des motifs anciens en glyptique, c’est à dire gravés ou sculptés sur des médaillons de pierre dure (Pierre de lave, cornaline, agate) ou organique (Nacre abalone, corail, coquillage). Le bijou représente un sujet antique sur un corail peau d’ange – rose : une joueuse de lyre identifiée comme Terpsichore, la muse du chant et de la danse.
La bague avait subi de nombreuse usures et quelques outrages, mais elle correspondait à la taille de ma cliente, et à ses goûts. Je l’ai donc achetée après avoir obtenu son accord et la confirmation de son budget. Seulement voilà, dans ce métier, lorsque les objets d’art ont vécu, et en portent les stigmates, notre rôle, c’est un peu de remonter le temps, en quelque sorte.

S’ils ont un passé, à nous de leur offrir un avenir !

Quand je l’ai vue, j’ai tout de suite pensé que le travail serait complexe et périlleux.

Allez, je vous fais un petit tour d’horizon ? Nous y reviendrons plus tard pour un avant/après. La crasse, l’oxydation, les chocs, ont profondément endommagé la monture. Certaines pliures sont particulièrement graves, et il est probable que le métal puisse se casser au redressage.

La bague est très abimée

Impossible de distinguer les motifs du corail qui, sous l’effet de la chaleur et de la sécheresse, a complètement blanchi.Les épaules sont pliées, la crasse s’est incrustée partout et l’oxydation a noirci les détails.

Première chose à faire, procéder à un premier trempage à l’eau déminéralisée pour ramollir la crasse, hydrater le corail et dégager un peu le décor.

Ensuite, une fois le bijou sommairement nettoyé et débarrassé de ses croûtes, on va pouvoir commencer à redresser l’épaule. Pour travailler en restauration sur des bijoux anciens, il faut une pincée de connaissances techniques et une bonne dose d’inventivité : il n’existe aucun appareil préconçu, aucun outil parfaitement adapté et préconçu. Dans bien des cas, on s’adapte, on bricole, on façonne nos propres outils sur mesure. On affûte, on tord, on coupe, on émousse.

Une fois la bague décrassée, on va pouvoir commencer le redressage.

Pinces, poinçon, mais surtout, en première intention, des instruments de bois tendre dont on va augmenter doucement la taille, quitte à utiliser de simples cure-dent, pour ne pas maltraiter le métal. En cas de trop forte contrainte ou de geste malheureux, le bois bois va rompre en premier, pas le métal. Mieux vaut prendre le temps que prendre des risques !

On va ensuite pousser doucement le métal, tout en le réchauffant tout doucement pour éviter la rupture. `À ce stade, je vous avoue que je ne respire qu’une fois sur trois, je retiens mon souffle à chaque instant. Le moindre geste maladroit, la moindre erreur technique, et c’est le drame.

Redresser le métal à la pince est une étape critique

Une fois le métal redressé, on travaille à la pince. J’exerce une pression de part et d’autre de la patte d’épaulement pour lisser la torsion. C’est le moment le plus délicat, le métal peut rompre et une soudure peut lâcher.

On avance lentement, prudemment, on vérifie les soudures à chaque étape. C’est la dernière étape du redressage, et on n’est toujours pas à l’abri d’un accident. À la loupe, et au doigt, ou à la microfibre pour déceler une fissure dont le métal accrocherait au textile. Si le montage devait souffrir, il faudrait arrêter la restauration immédiatement, soit pour laisser le bijou « au mieux », soit pour effectuer une soudure. Avec un cabochon de corail, une telle manipulation implique forcément un démontage… lorsque c’est possible. Vu l’âge, le type de serti et l’état du corail, un démontage est inenvisageable. Autant dire que le moindre faux pas ne pardonne pas.

Si on passe toutes ces étapes, et que les épaules sont bien redressées, on peut, ENFIN, respirer un peu ! Et passer au repolissage.

C’est le dernier volet de restauration à entreprendre. On commence par bien hydrater le corail, encore, et par l’enduire d’une cire de protection qui va éviter que les pâtes de polissage ne le polluent. Puis, on attaque ! Avec les premiers nettoyages, les détails apparaissent, comme le motif en cordelette qu’on ne devinait qu’à peine sous l’oxydation. Le repolissage de la matière va estomper les marques des pinces, les micro-rayures et, surtout, les usures et marques des dommages subits. On travaille toujours à pâte fine pour ne pas risquer d’affiner le métal. Une fois le métal repris, on va enlever la cire de protection et raviver, puis lustrer le corail rose.

L’avant / après est saisissant

Non seulement l’épaulement a retrouvé sa forme, mais le métal a repris sa couleur d’origine, avec une légère patine. On devine que la tresse d’ornement au serti, légèrement dorée, est probablement en or à bas titre, offrant une légère bichromie. Le corail aussi, n’est plus blanchi par la chaleur ou la sécheresse, il présente à nouveau de délicates nuances de rose pâle et les reliefs permettent de mieux distinguer la joueuse et son instrument.

Il est très important de comprendre que la restauration n’est pas une remise à neuf.

Le travail ne consiste pas à faire disparaitre l’histoire du bijou, mais, lorsque c’est possible, à remettre en état tout en gardant l’évolution du bijou visible ET esthétique. On ne refait à neuf que lorsque l’état des usures ne permet pas d’assurer la continuité des fonctions de la pièce. Surtout sur une bague ancienne comme celle-ci qui présente un très bel intérêt artistique. Après tout ces efforts, cette superbe bague est enfin prête à rejoindre l’écrin de son heureuse propriétaire !